今年最大的数字艺术展来了，我们去看了看到底有多美

在上一篇文章中，小编为您详细介绍了关于《这真的很real！国内首个电竞体验馆十一正式落地魔都上海》相关知识。本篇中小编将再为您讲解标题今年最大的数字艺术展来了，我们去看了看到底有多美。

我们身处一个数字时代，代码、编程、网络、算法纵横交错，它们铺天盖地，却又隐匿无形。

如果它们都能被看见，会是一种怎样的美妙景象？

近日北京开幕的大型数字艺术展——「非物质 / 再物质：计算机艺术简史」，就呈现了这一切。

展览由 UCCA 尤伦斯当代艺术中心举办，全球 30 多位知名艺术家共同参与，代际横跨 70 年，共展出 70 多件数字艺术作品，每件都由计算机创作完成。

这些作品让我们以新的形式，重新回顾了数字艺术的源起、当下和未来。

一次「流动」的数字艺术

1985 年，Jean Francois Lyotard 曾在巴黎蓬皮杜艺术中心策划过一场开创性的展览「非物质」。

▲《非物质》展览现场. 图片来自：Art Agenda

这也是新媒体艺术展览领域的鼻祖——展览包含了大量的交互装置、声音作品、响应式环境作品、电子通信的早期形态实验。

这次的新展，不仅是对旧展的致敬，也是对新数字时代的一次记录。

35 年后，数字时代已经发生巨变。策展人黑阳想要看看，计算机艺术在新的媒介之下，已经有了怎样新的美学表达。

▲ 池田亮司展出作品

展览分为了四个章节，分别对应了不同特定历史时期的计算机艺术。

从 20 世纪 60 年代开始，那时计算机技术还小荷才露尖尖角，但已经有艺术家利用算法来素描和绘画了。

▲ 第一章节《计算机艺术先驱: 新「调色盘」的发明》，Manfred Mohr 作品

到了第二章节，当数字技术逐渐普及，计算机也开始在艺术家的规划下，有了「自我」创作的能力。

于是艺术作品不再只在一张凝固的纸面、一块凝固的板子上、一面凝固的屏幕上，它开始「流动」起来。

Peter Kogler 打造了一个像童年阿尔卑斯糖融化打翻的房间。

当你静止时，线条也是静止的，当你走动时，视觉交错让人仿佛身处翻涌的糖果海浪之中。

Leo Villareal 的作品《椭圆》重达 850 公斤，由 262 根不锈钢管道组成，里面遍布着 LED 灯，艺术家通过算法控制模拟了循环闪耀的星河宇宙。

他的另一个作品《漂浮星体》同样带给人一种璀璨的视觉享受，在滋滋的电流声中，银色烟雾分散聚合，长久凝视时，大脑也仿佛进入一片虚空。

Charles Sandison 的《读者》有着异曲同工之妙，在如蜈蚣般穿行的数字代码背后，还有一双眼睛在审视算法的流动。

第三章节中，数字进程不断加速。当 AI 深入我们生活的世界后，艺术开始有了更多可能性，变得声色各异。

这时候，艺术家们也创造了「创造」本身。

Michel Paysant 通过眼动追踪技术，让人眼成为创作工具，借助计算机连接的绘图仪，让眼球运动轨迹实时描绘在画布上。

Memo Akten 将山壑湖泊以 60 分钟的视频形式展现，在图像的演变和顶上镜面的延伸之中，艺术家用机器学习为观众描绘出了一段「万物简史」。

眺望最末章的后数字时代，我们正面临着一个更不可预测的未来：计算机技术会将我们带向怎样的世界？

它可能是美好的新乌托邦——

正如 Ouayola 的《夏日花园》，通过图像工具让花园景色如风吹拂，置身其中周围都变得纯粹美好，让人想起小王子守护玫瑰的星球。

它也可能是不可逆的破坏和无尽的幻灭——

年轻一代的中国艺术家，作为融入全球网络文化创作的数字原住民，对此有着更深的感受。

费亦宁&官承翰制造了机器人思考人造艺术家和艺术的景象，而她旁边的水池映射出窗外战争硝烟不断，借此反思未来的数字世界。

陆扬的《器世界骑士》《器世界大冒险》则让二次元形象、炫目霓虹灯、异教感神庙、印度果阿传统降神舞蹈等众多亚文化元素交织，血腥重口地展现了人间地狱天堂等多重世界。

PC 电脑单机游戏、VR 游戏、多屏影像、神秘宇宙装置都在一个房间之中，观众成为了展览的体验者和创造者，不用担心出神，它会不断「质问」你：

性别重要吗？ 我们会怎样经历死亡？ 天堂地狱真的是人想象的那样吗？

这些艺术家们，试图通过创作对机器学习美学、数字客体性、科学技术进行反思，并引起观众探讨。

从「非物质」到「再物质」，从昨日的计算机艺术先驱，到今日活跃的数字艺术实践者、新兴的中国艺术家，这里展示了跨越 70 年的数字世界。

而对于展览本身来说，人们在参展过程中最突出的感受，可能也在于其中的数字化体验。

▲ Miguel Chevalier 作品《植物标本 2059》，每翻开一页就会自动变换植物

这也是人们和当代计算机艺术「对话」的一种新形式。

当观众也成为展览的一部分

如果你是一位逛展达人，可能也会发现，现在和观众「对话」的沉浸式展览越来越多了。

从上面展览的第二章「生成艺术: 无限的语言」开始，艺术家、算法、观看者的界限就已经模糊，甚至一起成为了作品的创作者。

当人们站在 Daniel Rozin 作品《红绿蓝挂片之镜》前，装置中各个颜色的亮片会随着人的倒影自动调整方向，呈现出你的轮廓。

在 Michel Bret & Edmond Couchot 的作品《蒲公英》面前有一个话筒，当你站在前面一吹，视频中的蒲公英就会全部散落。

吸引最多观众前来排队体验的，就是 Christa Sommerer & Laurent Mignonneau 的作品《昆虫人》。

人们在这个作品屏幕面前经过时，一团黑影涌来，无数蚂蚁在屏幕上显现，随后定格成你站立的形状。

这些蚂蚁看起来很真实，也是因为背后算法对蚂蚁行为进行过全面的动态分析。

此时，艺术家、计算机算法、观看者三位融为了一体。

此次展览中还含有一个百度 AI 特别单元，也强化了观众和艺术作品的互动感。

▲《世界的起源》

英国艺术家的作品《银瑚》中，百度通过深度神经网络提取了大量珊瑚礁图像特征，并将其可视化呈现。当观众观察珊瑚时，珊瑚同样根据你的移动变化颜色、形态…..

它背后的意义就在于，眼前的屏幕就是一面预言之镜，当我们看到生态环境的美丽时，也要感受到生态的脆弱，因为人类的介入，正让它们遭到不可逆的毁灭。

另外，百度在 UCCA Lab 也同步展出了「百度 AI 沉浸式互动艺术展—唤醒万物」，数字多媒体艺术工作室 Moment Factory 打造了多个沉浸式互动空间。

百度在此植入了一个名为「度非」的 AI 艺术家，观众的一举一动，都会让它发生「化学反应」。

当人们走到入门处，在一块仿佛隐藏着「度非」的屏幕上挥动手臂，就会有一股颜料如泼墨般散开，方向、浓淡、色彩都随你的力度而生。

在另一个空间，你走的每一步路，靠近每一面墙的动作，都会让色彩 3D 动态地随着你的频率律动。

技术背后的秘密是，整个场地遍布着测距传感器，顶部的投影仪则能将实时效果投射在场地。

人们不仅能在里面行走、跳舞、玩耍，还可以扫码保存「带走」自己的创作。

曾经，艺术展上我们总是被动地接受作品给我们的感受，但现在，新的观展体验让一切不再是单向的传播。

无论在展示的共时性、观众体验的参与性、艺术感官信息的流动性上，都有了新的可能。

UCCA Lab 艺术总监尤洋指出，对于从 15 世纪「珍宝室」或「惊奇的房间」演变而来的美术馆空间来说，其教室属性（身体束缚）和商业属性（文化消费）也或多或少地隐去。

这种体验式的展览打破了创作的边界，也打破了艺术的边界。

▲林茨电子艺术节中展出的作品：《共享感官》兰塞 &马特

在集体感受和沉浸参与中，人们也能暂时远离外界，进入一个新的公共空间。

在这个新的空间内，人们通过科技连接作品，连接彼此，连接先锋的体验，连接新的创造力，连接非常规的思考。

科技+艺术，不仅仅是展览的未来

科技和艺术结合的形式，已经成为了当代展览不可或缺的一部分。

数字革命在过去 40 年间兴起，数字技术也融入到绘画、摄影、装置等各个艺术领域。从 AI，到 AR、VR、XR，科技和艺术正从线上到线下不断跨界合作。

▲《后数位人类纪：国际科技艺术展》作品：《明日的路径》，王新仁

机器人、声光装置、虚拟环境、生物基因，甚至脑机接口…… 在各种虚拟和智能的创作下，艺术和艺术家的身份也屡屡被跨界打破。

去年，一幅由 AI 创作的艺术作品《埃德蒙· 贝拉米肖像》以 43.2 万美元（约人民币 300 万）的高价在纽约拍卖成交，引起了艺术界及之外的舆论轰动。

近年来大热的的「网红展」Teamlab，更让数字艺术在各个阶层「出圈」，它试图在艺术和科学之间取得平衡。

Teamlab 团队吸收了来自科学、艺术、设计等合行各业的人员，在各个城市打造了互联现实技术的沉浸式展览，让人们在真实空间和数字设备互动，然后体验各种美妙的感受。

不过它更像是把科技和艺术包装成一块华美的糖果，折射出未来的幻景，放大对艺术的消费。

▲ Teamlab

事物都有两面性，Teamlab 很难片面看待。大部分科技艺术展览在炫目视觉之外，还会去探讨和反思技术之下的人类发展。

毕竟现在的数字媒介最接近人们的现实生活。比起过去的艺术作品，当下的数字艺术在现代环境、社会伦理、信息传递方面都有着更丰富的接触和呈现。

世界最大的电子艺术盛会「林茨电子艺术节」，从 1979 年创办起，已经坚持了 40 年，每年开展 5 天，就能吸引 15 万人次观众。

▲林茨电子艺术节. 图片来自：Austrian Embassy

这离不开它在科技和艺术的交融之下，对人类生存状态的探讨。

近几年该艺术节的主题从控制论，到知识经济，到生命伦理，一直都在思考科技进步如何塑造人类。

中央美术学院实验艺术学院院长邱志杰说道：

林茨电子艺术节享誉世界，就在于它不仅代表着全球科技艺术探索的前沿，也始终保持着一种思考的严肃性。

由此观众在看展的感性之外，也能意识到一个作品扮演着的内在思考及某种责任，这样才能真正更好地欣赏科技艺术展。

在邱志杰看来，艺术与科技从未分开过，它们作为人类最需要想象力的两个领域，在整个社会肌体中扮演着高度相似的职能。

它们都用一种另辟蹊径的、特立独行的思考方式，去重新搭建我们和世界的关系。

▲林茨电子艺术节. 图片来自：Arshake

《硅谷百年史》作者 Piero Scaruffi 也屡次提到过一个观点，硅谷先是有嬉皮士、摇滚乐、特立独行的艺术家乐园，然后才是科技到来和崛起。

先锋艺术家和科技创业者之间的联系盘根交错，每当一种新科技出现，艺术家就会用奇思妙想去颠覆它，然后将它用于完全想象不到的用途，这时候，新事物也开始闪光。

所以现在 L.A.S.T（生命. 艺术. 科学. 技术）节、TED 大会、火人节，也一直并称为硅谷跨界艺术和创新灵感来源的三大活动。

▲L.A.S.T Festival. 图片来自：Daniel Stefanescu

UCCA 这次也在展示、交互、探讨的过程中，为观众带来了一次全景式的「科技艺术展」。

这不仅是一个艺术展览，也是在数字时代进行时，对当下及未来的一次探索实践。

一个有意思的地方是，因为疫情，这次群展中 15 个国家的艺术家都不能来到现场，布展的唯一方式，就是让艺术家们远程协作。但此次群展工程量巨大、技术难度很高，线上完成实在是太难了。

当时所有人都觉得这太过冒险，而且认为其不可能完成，但他们还是行动了。

世界各地的艺术家们，在不同的时区连线 UCCA，用数字化的协作方式作品搭建。所以就算在凌晨，也可以看到 UCCA 里光影交错。里面的工作人员还在步履不停地调试着设备，他们只希望一切顺利。

当这次展览呈现在观众面前，他们知道，所有冒险都是值得的。

而这次协作，同样也是一个新数字艺术的起点。

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